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FAQ sur les jeux, guides de stratégie et didacticiels

Auteur/autrice : Jasper

Quand il est à 100% en bonne sante, il est une super star delite dans ce jeu – Stephen A. Smith declare quil na aucune confiance dans Kawhi Leonards Health

Après avoir joué un match de plus, il a été mis à l’écart pour toujours. Il n’y avait aucun rapport officiel sur la réagression de la blessure.

L’entraîneur-chef des Clippers, Tyronn Lue, a déclaré que Leonard travaille lentement à sa méthode à l’action. Il a souligné que l’All-Star a en fait commencé à jouer 5 contre 5 dans la pratique.

Malheureusement, l’attaquant bidirectionnel a raté plus que ce qu’il a joué cette saison. Il a figuré dans l’ouverture de la saison des Clippers contre les Lakers, avec des restrictions infimes.

Leonard a subi une blessure au genou en demi-finale de la Conférence de l’Ouest 2021 et est en fait sorti depuis. Son retour à l’action était très préparé, ce qui a conduit à la Clippers de LA étant l’un des favoris pour remporter le champion 2023.

Stephen

Kawhi Leonard a eu son tout premier début de saison le 17 novembre après avoir raté 12 matchs successifs. Néanmoins, l’analyste de la NBA, Stephen A. Smith, n’est pas positif que le double champion restera en bonne santé pour le reste de la saison.

Smith n’est pas convaincu que Leonard est toute la méthode prête. S’il n’est pas complètement en forme, il a soutenu que Leonard n’est pas intéressé à jouer. Lors de First Take, on lui a demandé ce qu’il avait emporté pour le retour de Leonard et il a déclaré:

Néanmoins, les Clippers n’ont en fait pas eu un excellent début pour leur projet 2022-23. Ils sont classés neuvième de la Conférence de l’Ouest avec neuf victoires après 16 escapades.

Les Clippers ont autrefois montré qu’ils peuvent se gérer sans Leonard. Après avoir fini par être indisponible tout au long des demi-finales de la conférence en 2021, le groupe a continué et a atteint la finale de la conférence pour la toute première fois de leur histoire.

Néanmoins, ils ont un record favorable sans leur meilleur joueur. Bien que ce ne soit pas le plus joli vol, ils ont remporté 7 jeux vidéo sur 13 sans Leonard.

La gravité de sa blessure est une préoccupation, c’est pourquoi la prudence est recommandée. Les fans pensent qu’il a eu assez de temps pour se réadapter et doit aider les tondeuses à terminer.

Bien que ce ne soient pas des numéros de conflit champion, ils ont longtemps pour faire demi-tour. Avec Leonard de retour dans le pli, ils pouvaient lentement développer leur méthode approximativement le haut du classement.

Les tondeuses sont terminées.500 sans Kawhi Leonard

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Il reste encore beaucoup de jeux vidéo à jouer cette saison. Alors que Leonard revient à la pleine santé, les choses pourraient sembler diverses pour les tondeuses. Ils pourraient être le danger que beaucoup attendaient qu’ils soient pendant les séries éliminatoires.

Lire la suite: La Clippers a besoin de Kawhi Leonard Healthy pour défier le champion

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Smith n’est pas convaincu que Leonard est toute la méthode prête. Il a fait valoir que Leonard n’est pas intéressé à jouer s’il n’est pas totalement en forme. Lors de First Take, on lui a demandé ce qu’il avait emporté pour le retour de Leonard et il a déclaré:

Il reste encore beaucoup de matchs à jouer cette saison. Alors que Leonard revient à la santé complète, les choses pourraient être différentes pour les tondeuses.

2022 Recapitulatif du festival du film: meilleurs et pires films de Tiff, Telluride et Venise

Quels films ont impressionné lors des principaux festivals de cette année?

Même dans une année où Steven Spielberg a apporté un film à Toronto pour la première fois, c’était une saison de festival relativement terne. Le trio de festivals qui se chevauchent à Venise, Telluride et Toronto sont généralement où de nombreux nominés éventuels de meilleurs films sont dévoilés pour la première fois au public, mais la course aux Oscars de cette année semble être grande ouverte après que seulement quelques hors-procureur ont émergé des trois fêtes.

La raison pour laquelle cela semblait être une année désactivée (surtout par rapport à l’ardoise 2021)? Des déceptions critiques surprenantes de réalisateurs comme Alejandro González Iñárritu, Sam Mendes, Peter Farrelly et Florian Zeller, dont les films récents ont tous collecté des nominations (ou victoires) des Oscars, et des entrées relativement ternes de Noah Baumbach, Darren Aronofsky, Stephen Frears et d’autres réalisateurs qui obtiennent généralement beaucoup plus de plus haut que ce mois-ci.

Ce n’est pas parmi ces déceptions, bien sûr, Spielberg, dont le drame semi-autobiographique The Fabelmans ressemble maintenant à un favori de la meilleure image après que le film a impressionné le public et les critiques lors de sa première de Toronto en route pour remporter le premier prix à Tiff: The People’s Choice Décerner. Ce prix est voté par le public plutôt que par un jury, contrairement à de nombreux autres festivals majeurs, mais est néanmoins un prédicteur clé d’une nomination éventuelle des Oscars, alors considérez-le comme un verrou.

Un autre nominé de la meilleure image et entrée du festival de haut niveau, les Banshees d’Inisherin, provenaient detrois panneaux d’affichage, le directeur Martin McDonagh. Le premier film de Todd Field en 16 ans, Tár, Rian Johnson’s Knives Out Glass Onion, et le drame pénible de Sarah Polley Women Talking (peut-être le film le plus bourdonnant de Telluride) pourrait également se retrouver dans la meilleure course d’images après avoir décroché d’excellentes critiques de festival, même si leurs prix-Les destins de saison sont beaucoup moins certains. Mais il n’y a aucune incertitude sur la star de Tár, Cate Blanchett, qui pourrait très bien remporter son troisième Oscar au début de l’année prochaine.

Ci-dessous, nous récapitulons les réactions des critiques à tous les principaux films (et à quelques émissions de télévision) qui ont fait ses débuts lors des festivals Telluride, Venise et Toronto de cette année. Plusieurs titres de festival ont déjà été publiés au public au cours de la semaine dernière et ne sont pas inclus ci-dessous car ils ont reçu des critiques supplémentaires en dehors du cadre du festival. Ce groupe comprend Pearl, Athena, la dernière saison de The Handmaid’s Tale et The Woman King. De plus, tous les titres qui ont été projetés pour la première fois lors des festivals précédents cette année (y compris Sundance et Cannes) sont également omis.

Les vedettes, y compris les principaux lauréats du prix

2021 Se produire
2020 Nomadland
2019 Joker
2018 Roma
2017 La forme de l’eau
Récents gagnants de Lion Golden

Le dernier documentaire de la lauréat d’un Oscar, Laura Poitras (Citizenfour), se concentre sur l’artiste Nan Goldin, et en particulier sa protestation en cours contre le fabricant d’OxyContin Purdue Pharma et ses propriétaires, la famille Sackler. Il y a un lien entre la famille et le monde de l’art-ils ont longtemps utilisé certaines de leurs richesses pharmaceutiques pour financer elle-même les musées-et Goldin, une toxicomane opioïde en convalescence, a concentré son activisme dans ces institutions. Le film de Poitras entrelace ces efforts avec des informations biographiques convaincantes sur la vie familiale et la carrière artistique de Goldin.

Et elle le fait avec succès et avec élégance aux yeux du critique du film David Katz. Le Sheri Linden du journaliste hollywoodien a encore plus fort des éloges, arguant que toute la beauté et l’effusion de sang amont son travail vers de nouveaux sommets esthétiques et des profondeurs émotionnelles déchirantes… La façon dont Poitras et Goldin ont rassemblé les fils, à la lumière, est un Distillation susceptible de vous secouer au cœur. Et Sophie Monks Kaufman d’Indiewire donne la note rare A + en tant que travail imposant et dévastateur d’une intelligence choquante et d’une plus grande puissance émotionnelle, concluant, c’est un film écrasant.

Les films documentaires de HBO ont suscité les droits du vainqueur surprise de Golden Lion-juste le deuxième documentaire de l’histoire du Venise Film Festival pour remporter le premier prix-terminé après ses projections Telluride et Venise, mais n’a pas encore annoncé un HBO / HBO Max Première Date pour le film.

Voyez comment ce film se compare à tous les gagnants de Venise depuis 2000>

Edward Berger (Deutschland 83) dirige cette adaptation du roman d’Erich Maria Remarque en 1928 sur les horreurs de la Première Guerre mondiale. Si le titre semble familier, c’est parce que l’adaptation de Lewis Milestone en 1930 a remporté les Oscars pour le meilleur réalisateur et le meilleur film. Cette production de langue allemande pourrait ne pas atteindre ces sommets, mais c’est «le film ultime de la guerre anti-guerre», selon Sarah Milner de / film, ajoutant qu’il est «magistralement tourné et rythmé, offrant des images nettes et évocatrices de la Première Guerre mondiale». Marya E. Gates de la playlist croit également: «Berger et son équipage ont conçu une adaptation fidèle et déchirante qui se rend pleinement compte des thèmes anti-guerre tranchants du roman.» Et Fionnuala Halligan de Screen Daily loue les «séquences de bataille impressionnantes» dans cette «adaptation viscérale déchirante». Pour Steve Pond de Thewrap, c’est «visuellement spectaculaire mais tour à tour exaspérant et déchirant», à la fois «difficile à regarder et difficile à secouer».

Le nouveau film de l’écrivain argentin-réalisateur Santiago Mitre (l’étudiant, Paulina) dramatise le procès des juntes du point de vue des procureurs Julio Strassera (Ricardo Darín du secret dans leurs yeux et Truman) et Luis Moreno Ocampo (Peter Lanzani de The The Eyes Clan) alors qu’ils tentent de traduire une dictature militaire en justice. C’est un «thriller politique excitant» et un «drame de la salle d’audience avec une performance engagée et digne de Ricardo Darín», selon Fionnuala Halligan de Screen Daily. Le critique de la variété Guy Lodge pense que c’est un «film populaire sur la justice des gens, équilibrant la catharsis historique qui gênant les larmes avec des touches de comédie domestique drôle, et qui devait attirer des foules sur le bouche à oreille enthousiaste».

Le dernier du dramaturge et cinéaste Martin McDonagh (trois panneaux d’affichage à l’extérieur d’Ebbing, Missouri, The Guard) a remporté deux prix du Jury de Venise: le meilleur scénario et le meilleur acteur de Colin Farrell. McDonagh opposent les stars de son film en petits groupes dans Bruges-Farrell et Brendan Gleeson-se sont entendu les uns les autres en tant qu’amis à vie qui ont une chute lorsque Colm de Gleeson demande à Padraic de Farrell de ne plus jamais lui parler.

Merci également à de solides performances de soutien de Kerry Condon et de Barry Keoghan, David Ehrlich d’Indiewire pense que «son sous-jacent constant de l’humour offre les questions les plus pressantes de l’histoire un contexte de manière appropriée, ce qui parle des absurdités de toute existence», ce qui entraîne le meilleur film de McDonagh Depuis dans Bruges. Rodrigo Perez de la playlist trouve également inisherin pour être «certainement le Magnum opus cinématographique de McDonagh jusqu’à présent, son meilleur depuis Bruges, sinon mieux, et sûrement plus complexe et moralement mystérieux». Stephanie Zacharek de Time fait l’éloge de la capacité de Farrell à apporter des «couches supplémentaires de profondeur et de deuil au modèle classique de McDonagh», donnant au film «Its Soul and Its Beauty». Et John Bleasdale de Cinevue ajoute sa critique 5/5 étoiles: «Les Banshees d’Inisherin sont une comédie magnifiquement tirée et habilement. C’est à la fois magistral, étonnamment poignant et profond. Son portrait d’une amitié qui a finalement prouve à quel point l’amitié vitale est réellement: à quel point nous sommes vulnérables et nus sans lui. »

Luca Guadagnino a remporté le Silver Lion du meilleur réalisateur au Venice Film Festival pour cette adaptation du roman de Camille DeAngelis sur Maren (Taylor Russell de Waves, qui a remporté le meilleur jeune acteur à Venise), un adolescent cannibal qui rencontre plus de son genre (y compris (y compris Timothee Chalamet, Michael Stuhlbarg-Appelez-moi par votre nom de réunion-et Mark Rylance) pendant son voyage à travers l’Amérique des années 1980 pour trouver sa mère. Maren établit une relation spéciale avec Lee de Chalamet, et leur chimie est hors des charts, selon Luke Hicks de la scène du film. Dans le Hollywood Reporter, David Rooney, écrivant: Tout ce qu’ils font est facile, imprégné, sous-estimé à Effet émouvant subtilement, et l’empathie sans fondement des cinéastes pour Maren et Lee est contagieuse. »

L’un des détracteurs du film, le critique de variétés Owen Gleiberman, affirme Bones et All pour être un concept à la recherche d’une histoire et l’un des films routiers les plus sommaires, les plus vides et les plus sinueux en mémoire. La Stephanie Zacharek de Time est plus positive, la trouvant «astucieuse et tendre, si parfois presque trop tendue et brutale à porter». Et dans sa revue 5/5 étoiles, Peter Bradshaw de The Guardian écrit: «Bones et tout est une horreur macabre, une aventure emo en révulsion, une histoire d’amour jeune et interdit, et une parabole pour cette terrible pensée secrète, effrayante mais aussi Euphorique, cela entre dans la tête de chacun à leur adolescence: je suis différent. »

La dernière fonctionnalité documentaire du réalisateur Steve James (Hoop Dreams, The Interrupters, Life lui-même) examine la vie (en particulier le mariage) et les décisions prises par le scientifique du projet de Manhattan, Ted Hall, qui a partagé des secrets nucléaires classifiés avec la Russie. Utilisation de reconstitutions (un changement stylistique pour James), des images de rédacts, des interviews d’archives de Hall et une nouvelle interview avec sa femme maintenant âgée de 90 ans, Joan, James raconte une «histoire d’amour, un drame d’espionnage et une mini-histoire de La guerre froide », dans un documentaire« intime et modeste, plus sur un mariage que les tensions géopolitiques », selon Tim Grierson de Screen Daily. Pour le critique de variété Guy Lodge, le «film démontre le nez caractéristique de son réalisateur pour un matériel fort et le talent pour la narration captivante et simple». Et tandis que Charles Barfield de la playlist admet «les choix éditoriaux mènent dans leur exécution», il juge toujours spy «un documentaire émouvant et réfléchi».

L’actrice Frances O’Connor (Mansfield Park) fait ses débuts en tant que écrivaine-réalisatrice avec cette biographie imaginaire de l’auteur Wuthering Heights Emily Brontë, jouée par la star de l’éducation sexuelle Emma Mackey. On sait peu de choses sur la vie de Brontë, mais O’Connor gère avec adroitement l’exploit de faire une pièce d’époque du XIXe siècle éclaté de sentiment contemporain, dans un film qui captive jusqu’à la fin, selon Christopher Schobert de la scène du film. Écrivant pour The Guardian, Radheyan Simonpillai est impressionné par la façon dont le film «habilite les émotions parfois turbulentes de Brontë, définissant les environnements selon les humeurs de l’auteur d’une manière qui peut être rivetée.» Jason Bailey de la playlist pense qu’O’Connor a «créé un premier film qui ressemble au travail d’un maître accompli», et dans sa critique de Variety, Jessica Kiang écrit, «ainsi qu’une romance condamnée, le film est également un singulièrement Déplacer une enquête sur les mécanismes des relations de frères et sœurs qui sont forgés dans un amour de style âme sœur, mais teintée de rivalité et de dépit. »

Bleecker Street sortira le film dans les salles aux États-Unis l’année prochaine.

2021 Belfast
2020 Nomadland
2019 JOJO RABBIT
2018 Livre vert
2017 Trois panneaux d’affichage à l’extérieur d’Ebbing, Missouri
Gagnants récents du choix des gens

Steven Spielberg apporte ses souvenirs d’enfance à la vie cinématographique dans cet hommage à sa mère et à son père qui semble maintenant être un acteur majeur pendant la saison des récompenses. Écrit par Spielberg (son premier crédit de scénarisation en 21 ans) avec le collaborateur fréquent Tony Kushner, le film gagnant du choix du TIFF, suit Sammy Fabelman (Mateo Zoryon Francis-Dord comme le plus jeune, Gabriel Labelle en tant qu’adolescent), sa mère artistique Mitzi ( Michelle Williams), son père scientifique Burt (Paul Dano) et Bennie Loewy (Seth Rogen), le meilleur ami de Burt, alors que la passion de Sammy pour le cinéma se développe. Cela s’ajoute à une ode infiniment tendre, parfois brumeuse aux gens qui l’ont élevé et à la passion singulière pour le cinéma qui l’a façonné, écrit Leah Greenblatt d’EW, qui ajoute: Autant que ce soit l’histoire personnelle de Spielberg, le Fabelmans est Aussi un fervent témoignage de la main sur le cœur de l’attrait éternel des films, réalisé par l’un des principaux magiciens de l’artisanat. »

Le critique du Times Justin Chang croit que le Fabelmans_ «pourrait être plus précisément compris comme une œuvre confessionnelle unique, dans laquelle un grand artiste reconnaît librement et joyeusement la manipulation inhérente à la forme d’art qu’il est né pour maîtriser.» Et Kenji Fujishima de Slant est reconnaissant que le film soit «plus qu’une autre« lettre d’amour au cinéma », mais aussi une enquête provocante par intermittence sur le médium de l’un de ses grands maîtres.» Pour Ross Bonaime de Collider, c’est simplement l’un des films les plus émouvants, honnêtes et poignants de la filmographie déjà impressionnante de Spielberg. Et dans sa critique de Polygon, Robert Daniels écrit: «Ce n’est pas une histoire confessionnelle. Il accorde au monde réel une grâce nécessaire, les gens aimables ne trouvent qu’après être sortis de l’autre côté d’une vie de traitement. Et il présente une marque d’artisanat-du blocage délibéré aux mouvements de caméra contrôlés et ingénieux-qui ne se produit que lorsque vous êtes, eh bien, Steven Spielberg. Par-dessus tout, c’est un message empathique du réalisateur à sa mère.

Découvrez comment ce film se compare à tous les gagnants du Choix du Tiff People depuis 2000>

La suite de Rian Johnson à ses couteaux à succès 2019 trouve le détective Benoit Blanc (un retour Daniel Craig) sur une île grecque appartenant au gourou de la technologie milliardaire Miles Bron (Edward Norton). Les invités comprennent un ancien mannequin (Kate Hudson), son assistante (Jessica Henwick), une influenceuse des médias conservateurs (Dave Bautista), le gouverneur du Connecticut (Kathryn Hahn), un scientifique (Leslie Odom Jr.) employée par Miles et Miles et Miles et Miles et Miles) «Ancien partenaire commercial (Janelle Monáe). Lorsqu’un jeu de mystère de meurtre se transforme en un véritable meurtre (ou plus), vous savez qui peut le résoudre. Mais il n’y a plus de mystère pour savoir si Glass Onion peut être à la hauteur du film précédent: c’est un autre gagnant.

En fait, Ross Bonaime de Collider pense que c’est un encore plus grand, plus ambitieux et, d’une manière ou d’une autre, encore plus divertissant que le film précédent, et Chris Evangelista de / film est d’accord: Non seulement Johnson reprend ce qui a fait le premier film donc donc Spécial, il se surpasse en fait. Oui, l’oignon en verre est encore meilleur que les couteaux. Pour Mae Abdulbaki de Screen Rant, «Glass Onion est extrêmement divertissant, sans cesse charismatique et quelque peu ridicule. Combiné avec un fabuleux casting d’ensemble, ce suivi de Kodunit à Knives Out (qui prend une fouille au jeu bien-aimé) est profondément agréable. » Pour Jason Bailey de la playlist, il «sent, franchement, comme quelque chose d’un miracle» dans sa capacité à «reprendre la magie» du premier film «sans recourir à la réplication ou à l’imitation».

Avec l’ICARUS de 2017, Bryan Fogel (The Dissident) a remporté l’Oscar du meilleur documentaire. Cinq ans plus tard, Fogel a fait la rare suive qui est encore meilleure que l’original. Incapable d’être avec le dénonciateur Grigory Rodchenkov en raison de protocoles de sécurité, Fogel intégré le caméraman et le producteur Jake Swantko avec Rodchenkov alors qu’il se déplace constamment pour éviter la détection et les représailles des agents russes. On apprend plus sur les schémas de dopage de la Russie et plus on apprend sur la vie personnelle de Rodchenkov et ce que son courage lui a coûté. Steve Pond de Thewrap croit que le suivi est le «travail d’un réalisateur plus fort et plus assuré», et Christian Gallichio de la playlist convient que «Fogel a évolué en tant que documentaire politique dans les années intermédiaires», résultant en un film qui «adapte avec succès le Genre de thriller d’espionnage à la forme documentaire avec des résultats fascinants. » Pour Sheri Linden de Thr, c’est une «histoire d’immense bravoure et tristesse indescriptible», dans sa revue pour Indiewire, Robert Daniels appelle aftermath un «document poignant et puissant sur le fardeau imprévisible de l’héroïsme», tandis que Peter DeBruge de Variety à des doses égales. » Le premier film a diffusé sur Netflix, mais la suite n’a pas encore aligné de distributeur.

A décerné un prix spécial sur le jury à Venise, le dernier de maintenant l’auteur iranien emprisonné Jafar Panahi est une autre tranche de méta-fiction perçante dans laquelle il trouve une version de lui-même faisant un film dans le village iranien de Jabbar et causant un peu de problème pour le Les habitants après avoir accumulé de prendre une photo d’une paire de jeunes amoureux, ce qu’il nie. C’est un autre succès pour le réalisateur, qui a maintenant réalisé cinq films (ce n’est pas un film, un rideau fermé, Taxi, 3 visages) depuis qu’il a été interdit de cinéma en 2010. «Deceptement simple au début, puis accumulant des couches de plus en plus complexes par Degrés presque imperceptibles, le film serait une déclaration énergique même sans les limites imposées à Panahi, écrit David Rooney de THR. Panahi est un réalisateur qui a toujours mélangé des faits et de la fiction, et ici la distinction est plus tampon que jamais, selon Sophie Monks Kaufman d’Indiewire. Pour le critique quotidien de Screen Daily Jonathan Romney, c’est une «œuvre complexe de densité romanesque… parmi les déclarations les plus audacieuses et les plus accomplies de l’un des cinéastes exemplaires du monde.» Et Ben Croll de Thewrap proclame no Bears un «étourdissement à plat».

Le suivi de la scénariste-réalisateur français Rebecca Zlotowski avec une fille Easy met en vedette Virginie Efira en tant que Rachel, une enseignante de 40 ans dans une relation avec Ali, le père divorcé d’une fille de quatre ans. À partir de cette configuration, Zlotowski confirme «son don pour investir des formules familières avec la fraîcheur et le charme, l’intelligence et le sex-appeal», selon Jon Frosch de THR. Chez Cinevue, John Bleasdale note que «le jeu est de haut niveau à tous les niveaux, mais les performances étonnantes d’Efira sont particulièrement fascinantes». Et dans sa critique B + pour la playlist, Rafaela Sales Ross écrit: «Les enfants des autres sont une rumination émouvante sur les douleurs causées par les piliers à dégraisser la parentalité traditionnelle. C’est une offrande rare dans sa gentillesse éclairée, et une offre déchirante aussi. »

2021 La main de Dieu
2020 Nouveau commande

SAINT
2019 | Un officier et un espion | ▣
2018 | Le favori | ▣
2017 | Foxtrot | ▣
Lauréats récents du Grand Jury

Après avoir permis de remporter des prix sur le circuit du festival international pour son documentaire en 2021, Alice Diop est venue à Venise avec son premier long métrage narratif et a remporté le prix du Grand Jury Silver Lion ainsi que le Luigi De Laurentiis Award pour les meilleurs débuts. Travaillant à partir de transcriptions d’essais réelles, Diop et co-auteurs Amrita David (qui a également édité), et Marie N’diaye organisent un véritable événement choquant de 2016 et montrent l’humanité complexe des personnes impliquées. Le film suit Rama (Kayije Kagame), un jeune romancier fréquentant le procès de Laurence Coly (Guslagie Malanga), une femme accusée d’avoir tué sa fille de 15 mois en l’abandonnant à la marée montante sur une plage dans le nord de la France.

Pour Jessica Kiang de Variety, c’est «trompeusement austère, extraordinairement multiforme», un film qui «habite une histoire choquante et triste de l’intérieur». Lovia Gyarkye de Thr note que «Diop ne s’éloigne pas trop de ses racines documentaires. Le film maintient un sentiment de naturalisme même pendant ses moments les plus tendus. » John Bleasdale de Cinevue croit que Saint Omer soit «un film profondément intellectuel […] mais c’est aussi sincère. Il y a une compassion à la débat: une empathie. » Et dans sa critique A– de la playlist, Robert Daniels décrit le drame comme une «œuvre captivante et bouleversante débordant de douce sympathie».

Le sous-label de Neon Super a acquis les droits de distribution sur Saint Omer après ses débuts à Venise, mais une date de sortie n’a pas été fixée (bien que le film continuera de visiter le circuit du festival à l’automne).

Pour sa première fonctionnalité documentaire non concernée, le réalisateur Anton Corbijn (Control) s’est tourné vers un sujet qu’il en sait plus sur ce qui est pratiquement vivant: l’album Cover Art. Photographe de longue date, Corbijn a vu son travail Grace les couvertures des albums d’artistes, notamment Depeche Mode, U2, R.E.M., Bruce Springsteen et Cabaret Voltaire, entre autres. (Cette couverture Joshua Tree? C’est Anton Corbin!) Dans Squaring the Circle, il se concentre sur Hipgnosis, un groupe de design basé à Londres responsable de certaines des couvertures d’album les plus mémorables de l’histoire du rock de la fin des années 1960 au début des années 80. (Ce logo prismatique pour le côté sombre de Pink Floyd de la lune_ qui a honoré chaque dortoir depuis 1973? C’est du hipgnosis!)

Les membres de Pink Floyd, ainsi que d’autres royaux rock comme Peter Gabriel, Paul McCartney et Robert Plant, sont parmi les têtes parlantes vues et entendues tout au long de Circle, qui mélange de nouvelles interviews tournées dans les marques de Corbijn en noir et blanc à contraste et blanc avec archival Des images en couleur et même une animation pour tracer la montée et la chute mouvementées de l’entreprise de conception et détaillent comment certaines de leurs photoshoots les plus notables ont été assemblés. Les critiques de Telluride ont apprécié le résultat. Rodrigo Perez de la playlist le considère comme un incontournable pour les rockologues partout, tandis que Steve Pond du Wrap appelle le film A Treat pour quiconque avec un goût pour le rock, pour l’imagerie rock et pour les gloires qui peuvent être trouvées dans ce morceau de Le carton enroulé autour d’un record. Christian Baluvelt d’Indiewire admet que le doc est conventionnel, mais ajoute, [i] t est au moins un mécanisme de livraison de l’histoire solide pour dire comment le hipgnosis eux-mêmes a révolutionné les couvertures d’albums.

Maintenant, c’est un retour. La troisième caractéristique de Todd Field, après 2001 dans la chambre et Little Children de 2006, explore notre monde en mutation à travers la vie fictive de la musicienne emblématique Lydia Tár (Cate Blanchett), largement considérée d’un grand orchestre allemand. Blanchett a remporté la meilleure actrice à Venise et est la favorite pour ramener plus de statues à l’approche de la saison des récompenses. Son Tár est une figure mercurielle, sujette aux affaires avec des protéges plus jeunes malgré sa relation amoureuse avec son partenaire (Nina Hoss), avec qui elle a une fille. «Comment Blanchett navigue dans ce rôle est une merveille. C’est ses plus belles heures de 2,5 heures depuis très longtemps, et même lorsque le film vacille dans son dernier tiers, l’atterrissage se sent bien », écrit Michael Phillips du Chicago Tribune. Dans Entertainment Weekly, Leah Greenblatt considère Tár un «monolithe imposant d’un film enraciné dans une performance extraordinaire et bouleversante de Cate Blanchett». Selon David Rooney de THR, il s’agit d’un film de transoxication qui ne ressemble à aucune autre, une étude de personnage fascinante, ses détails à grain fin s’étendant avec une précision d’aiguille dans les recoins ténés entre ses scènes obliques.

Et il y a encore plus d’éloges pour ce qui pourrait finalement se terminer comme le film le plus score de 2022, ou du moins se rapprocher. Aux yeux de la critique de variété Owen Gleiberman, «c’est l’œuvre d’un maître cinéaste», dans lequel le domaine nous enchet dans un récit tendu de duplicité silencieuse, d’intrigue d’entreprise et-en fin de compte-une obsession érotique. Pourtant, il le fait si organiquement organiquement. que pendant un moment vous ne réalisez même pas que vous regardez une «histoire». »Après 16 ans,« Field nous est revenu avec une étude de personnage sauvage mais extrêmement sincèrement David Ehrlich d’Indiewire, qui le déclare «l’un des nouveaux films américains les plus audacieux et les plus excitants» qu’il a vus depuis des années.

Le quatrième long métrage de la réalisateur Sarah Polley, en suivant l’abri, prenez cette valse, et le documentaire primé sur sa famille, Stories We Tell, est une adaptation du roman de Miram Towes 2018 sur un groupe de femmes (joué par Rooney Mara, Claire Foy, Jessie Buckley, Judith Ivey et d’autres) dans une colonie religieuse cloîtrée qui lutte pour décider comment répondre aux années d’abus des hommes en qui ils ont confiance. Ne font-ils rien, restent et se battent ou partent-ils? Basé sur des événements réels horribles d’une communauté mennonite isolée en Bolivie, où huit hommes ont utilisé un anesthésie bovine pour paralyser puis violer plusieurs femmes, le film de Polley est une «exploration enrichissante qui aborde non seulement la situation difficile des personnages, mais les questions existentielles qui font face à tout contemporain Femme naviguant des configurations patriarcales », écrit Sheri Linden de Thr. Dans Entertainment Weekly _,Leah Greenblatt loue la «veine profonde de l’humour et de l’humanité que Polley et ses acteurs mienne du texte». Et dans sa critique de Thewrap, Tomris Laffly admire de la même manière comment «Polley frappe un rythme hypnotisant parmi les femmes, qui attaquent le désespoir avec un humour effronté (les femmes qui parlent sont inattendues dans des parties) et l’incertitude avec une délibération astucieuse.» Le critique du Times Justin Chang ajoute: «Aussi fortement aiguisé et concentré que cela est, les femmes qui parlent ont une fluidité formelle et conceptuelle remarquable», résultant en un film qui «rassemble une force émotionnelle extraordinaire, et aussi quelque chose de plus: un véritable poids spirituel».

En plus de générer pas mal de buzz lors de ses débuts Telluride, Women Talking a également terminé en tant que premier finaliste pour voter pour le quartier des choix du peuple de Toronto.

Autres débuts notables avec des critiques généralement positives

Écrit par Alanna Francis (le reste d’entre nous), la première fonctionnalité de Mary Nighy met en scène les stars Anna Kendrick comme Alice, une femme dans une relation psychologiquement abusive avec son petit ami, Simon (Charlie Carrick). Quand elle part en vacances avec ses meilleurs amis (Kaniehtiio Horn et Wunmi Mosaku), Alice gagne l’espace et la perspective dont elle a besoin pour voir sa relation pour ce que c’est. Selon Lovia Gyarkye de THR, c’est un «premier début émotionnel», dans lequel «Kendrick se transforme, affirmant qu’elle a toujours eu de la profondeur et de la gamme». Dans sa revue de la playlist, Marya E. Gates note également que «Kendrick donne une performance phénoménale, avec son intérieur si tordonné que la tension est visible dans chaque membre, dans chaque mouvement qu’elle fait.» Et Benjamin Lee du Guardian est d’accord, appelant Kendrick «exceptionnellement, sans tenue» dans sa «meilleure performance à ce jour, et bien que leurs personnages ne soient pas beaucoup au-delà des bases, Mosaku et Horn sont tous deux excellents, chaque ligne et leur décision prises Pour sonner vrai, une dynamique authentique qui conduit à un moment incroyablement émouvant de protection extrême dans le dernier acte. »

Après quelques documentaires réputés sur Nick Cave (une fois de plus avec le sentiment, beaucoup je sais être vrai), le cinéaste Andrew Dominik revient au cinéma narratif pour la première fois depuis 2012 les tuer doucement avec cette adaptation de Joyce Carol Oates depuis 2012 «Roman 2000 sur la vie intérieure de Norma Jean Baker, alias Marilyn Monroe. Les préoccupations concernant le casting d’Ana de Armas comme Monroe semblent désormais infondées car sa performance est celle universellement louée de ce qui se révèle être un film de division. Fionnuala Halligan de Screen Daily admet que blonde est un film «techniquement qualifié, bien joué», mais elle ne se retient pas sur le réalisateur: «Blonde ne danse pas tout à fait sur sa tombe, mais Dominik, qui a adapté, saute sur Il, couvrant tout le monde, le public inclus, dans un film sale de voyeurisme. » Phil De Semlyen est tout aussi peu impressionné de Time Out, qui écrit: «Pour toute sa liberté de réinventer sa vie et de la sauver de la victimisation culturelle, la blonde est juste un peu trop disposée à la jeter par-dessus bord et à la regarder.» Un peu plus indulgent, les Leslie Felperin du Guardian le trouve «tour à tour ravissant, bougeant et intensément irritant» et «tout un peu-dans tous les sens». Et dans sa critique de l’Empire, Catherine Bray voit un film «insaisissable», «plus intéressé par les surfaces sensuelles que la vie intérieure».

Même les critiques qui ont félicité le film admettent qu’il était une montre difficile. Dans sa critique 5/5 étoiles du film total, Jane Crowther reconnaît blonde comme une «vision inconfortable», mais loue également le film comme «un cinéma engageant et effréné qui provoquera des opinions de discours et de division». Et pour la critique de Vulture Bilge Ebiri, «la blonde est belle, fascinante et, parfois, profondément émouvante. Mais il est également aliénant-encore une fois, par conception-tournant constamment la caméra sur le spectateur, parfois avec Marilyn en y adressant directement. Ce sera une vente difficile, surtout pour un film si non linéaire et elliptique. Ce Metascore a hésité entre le vert et le jaune toute la semaine, les critiques ont continué à entrer, mais pour l’instant, il semble avoir le soutien d’une légère majorité de critiques.

Billy Eichner a fait son acte de la rue au cinéma en tant que principal homme du premier rom-com gay-étudiant majeur avec un casting principal de tous les acteurs LGBTQ +. Eichner, qui a co-écrit le script avec le réalisateur Nicholas Stoller (oubliant Sarah Marshall, l’engagement de cinq ans, voisins), joue un podcasteur cynique qui commence à remettre en question son engagement en soi lorsqu’il rencontre Aaron de Luke MacFarlane. Il «rejoint immédiatement les rangs des grands romans», selon Ross Bonaime de Collider, qui le trouve «hilarant, sexy et indéniablement charmant […] du début à la fin». / Sarah Milner du film pense que cette «histoire d’amour non conventionnelle» et hilarante »se sent« honnête et réel pour toute personne ayant de l’expérience dans les espaces LGBTQ + ». Et Benjamin Lee de The Guardian admire à quel point c’est «grand et intelligent d’une manière que si peu de films de cette échelle sont ces jours une fois que.

Après trois documentaires sportifs (Red Penguins, à la recherche de la grandeur et de l’armée rouge incontournable), le réalisateur Gabe Polsky revient au cinéma narratif avec cette adaptation du roman de John Edward Williams en 1960 sur Will (Fred Hechinger), un décrochage de Harvard En 1874, le Kansas qui rejoint Miller (Nicolas Cage), un chasseur de buffles, et ses copains Fred (Jeremy Bobb) et Charlie (Xander Berkeley) lors d’une expédition sur le territoire du Colorado. Les choses ne vont pas bien. Pour David Ehrlich d’Indiewire, «cette histoire insuffisante d’une chasse au buffle qui a mal tourné n’a pas assez de viande sur ses os pour capturer la saveur émersonienne de son matériel source.» Mais Chris Evangelista de / film a été «finalement pris avec la traversée de Butcher et toutes ses horreurs. Pris avec les performances engagées de la petite distribution et le paysage intact. » Également positif sur le film, William Bibbiani de Thewrap loue «les performances typiquement sauvages et tout à fait efficaces d’un acteur qui excelle-peut-être plus que tout autre-pour prendre des décisions d’acteur bizarres semblent bizarrement naturelles».

Avec Games of Thrones Breakout Bella Ramsey dans le rôle-titre, le deuxième long métrage de l’écrivain-réalisateur Lena Dunham à la première lors d’un festival cette année (après le dévoilement de Sundance de Sharp Stick Admired) est une adaptation du nouveau nouveau de Karen Cushman en 1994 sur une remanie Une adolescente dans un village anglais médiéval dont le père (Andrew Scott) espère l’épouser pour couvrir ses dettes. Pour le critique quotidien de Screen Tim Grierson, il «finit par être une attaque superficielle contre le patriarcat, ne parvenant pas à être aussi mordante ou délicieuse que l’on pourrait l’espérer», malgré un «virage impudent» de Ramsey.

Mais Adrian Horton de The Guardian trouve cette adaptation «tout à fait agréable», et la critique du vautour Alison Willmore croit qu’elle libère Dunham, comme si «la tremper ses impulsions créatives distinctives lui donne de la frein pour faire un film tendre et plus largement sympathique, tout en étant encore Bien sien. Kate Erbland d’Indiewire pense que cette «comédie de passage à l’âge adaptée» capture à la fois «l’esprit de Dunham et la poussée du roman de Cushman», résultant en le meilleur film du réalisateur. Et Jason Bailey de la playlist est d’accord: C’est une délicieuse étape dans l’évolution artistique de Dunham, une œuvre qui ressemble à la fois comme quelque chose de nouveau et porte sa voix distinctive.

Dans ce premier long métrage de la directrice de Broadway, Lila Neugebauer, Jennifer Lawrence joue le rôle de soldat qui a du mal à s’adapter à la vie à la Nouvelle-Orléans après une lésion cérébrale traumatique. Elle trouve une amitié provisoire avec un mécanicien (Brian Tyree Henry) se remet d’un accident de voiture majeur. Pour C.J. Prince of the Film Stage, il est «chanceux que Neugebauer ait un talent si fort pour élever ce avec quoi elle travaille, car il aide à sauver la chaussée d’une collection oubliable de clichés indie-drame en quelque chose de plus respectable.» De même, David Rooney de THR croit que la «chimie entre ces deux excellents acteurs, chacune d’elles dans le style, se faufile sur vous et enrichit ce modeste drame à propos des personnes meurtries qui abaissent suffisamment leur garde pour chercher du réconfort.» Alison Willmore de Vulture fait écho à ces sentiments: «Lawrence et Henry ont une chimie chaleureuse et naturelle, et ce rapport semble vraiment guider où se termine le film, au lieu de l’inverse.» Et dans la playlist, Charles Bramesco a des pensées similaires, en écrivant: «Ensemble, ils construisent une paire de personnes totalement réelles, néanmoins confinées à un univers dramatique plus sujet à la mise en œuvre. Mais les plaisirs des premiers l’emportent généralement sur l’ijresque du second, avec Lawrence et le costar Brian Tyree Henry se sont joints en tant que super générateur du magnétisme à l’écran. »

Écrit par Stefani Robinson (Atlanta et ce que nous faisons dans l’ombre) et réalisé par Stephen Williams, qui revient aux fonctionnalités après avoir réalisé des épisodes de Watchmen, Westworld, Lost, et bien d’autres au cours des 25 dernières années, cette période biopic stars Kelvin Harrison Jr (Vagues) en tant que compositeur Joseph Bologne, surnommé Chevalier de Saint-Georges par Marie Antoinette (Lucy Boynton). Incapable de contenir toute sa vie incroyablement impressionnante, le film se concentre sur son temps pour devenir le chef de l’opéra de Paris, quand il tombe amoureux de la chanteuse d’opéra mariée (et blanche) Marie-Josephine (Samara Weaving). Écrivant pour la playlist, Charles Bramesco affirme que c’est un «hommage bien intentionné qui perd la mélodie tout en riffant sur les notes données», mais la critique de conséquence Erin Brady pense que les «performances incroyables de Harrison et Adékoluẹjo, le scénario intelligent de Robinson et Williams «Direction» Sauve-le de sa «dépendance aux tropes biopic». Lovia Gyarkye de Thr voit un «biopic bouillonnant mais chancelant» qui «soulève Saint-Georges des annales de l’histoire de la musique et le transforme en rockstar-un Jimi Hendrix classique, si vous voulez.» Et Kate Erbland d’Indiewire croit même lorsqu’elle frappe de fausses notes, Chevalier éblouit à cause de la magie inexploitée de son caractère central.

La réalisatrice légendaire de 92 ans, Frederick Wiseman, change de vitesse de longs documentaires (hôtel de ville, à Jackson Heights, National Gallery) à de courtes caractéristiques narratives avec ce portrait de 64 minutes de Sophia Tolstoy, inspiré par ses journaux et lettres à son mari de 36 ans ans, Leo Tolstoy. Tourné dans le jardin de La Boulaye sur Belle île, le film est un monologue livré par Nathalie Boutefeu en tant que Sophie, racontant la joie, la passion, l’acrimonie et le dysfonctionnement de son mariage. Wendy IDE de Screen Daily trouve Couple «théâtral» et «quelque peu inerte» en tant que cinéma, et dans sa critique de la playlist, Marshall Shaffer affirme que le film «ne parvient jamais tout à fait à transcender ses origines en tant que précieux projet pandémique». Parmi ses admirateurs, Peter Bradshaw du Guardian pense qu’il s’agit d’une «sorte de travail et de pacification de l’agonie émotionnelle» et d’une «précieuse et perspicace-portrait», tandis que Leslie Felperin de Thr l’éloge de la «performance intense et galvanique de Boutefeu» et de la performance galvanique »et «Une heure de divertissement étrangement enceinte et lourde» qu’il produit.

L’écrivaine-réalisatrice Joanna Hogg ajoute une coda un peu moins réussie à son duo très personnel et acclamé par la critique-The Souvenir and the Souvenir: Part II-avec cette histoire de fantôme avec Tilda Swinton en deux rôles en tant que Julie (à l’origine joué par la fille de Swinton, Honor Swinton Byrne) et sa mère Rosalind. Situé à l’époque contemporaine, daughter suit Julie alors qu’elle emmène sa mère veuve dans un hôtel désert au Pays de Galles, espérant faire une percée sur un film sur sa mère. C’est une œuvre «mineure» de Hogg, selon Robbie Collin et John Bleasdale du Telegraph, qui ajoute «il est confortable, inoffensif et, à moins de quatre-vingt-dix minutes, satisfaisant, mais n’a malheureusement pas un argument particulièrement fort pour sa propre existence. Écrire pour Variety, Jessica Kiang note: Le double casting de Swinton, qui est prévisible excellent dans les deux rôles, est certainement la clé de la fille éternelle, mais si elle libère le film ou le verrouille plus loin est discutable. Les éloges pour le film proviennent de Carlos Aguilar, dont la critique de Thewrap le décrit comme un «labyrinthe atmosphérique des réflexions et des projections» avec un «swinton doublement étonnant». Et Stephanie Zacharek de Time écrit: «La fille éternelle n’est pas seulement une histoire de fantômes mais une chanson, chantée par une fille de sa mère à travers une petite table au dîner, ou à travers l’espace qui reste lorsque les gens que nous aimons nous ont quittés.

Le cinéaste documentaire Ryan White (Assassins, Ask Dr. Ruth, l’affaire contre 8) a réalisé un «documentaire attachant et émotionnel» sur l’esprit et l’opportunité de Mars Rovers, qui est une «célébration animée de la nerdiness sans vergogne et de la résolution d’enthousiasme des problèmes, «Selon Daniel Fienberg de Thr. En utilisant les vastes archives, les nouvelles interviews et les effets de la NASA, «Good Night Oppy est plus qu’un simple documentaire; C’est aussi un film d’animation-et un très divertissant à cela », écrit Peter DeBruge de Variety. Pour le critique quotidien de Screen Tim Grierson, il est «peut-être trop de bien-être dans son approche, et pourtant il est difficile de résister à ce qui stimule cette histoire d’exploration spatiale.» Et David Ehrlich d’Indiewire est d’accord, concluant: «Good Night Oppy rend les voyages des Rovers avec des termes de sentimentalité aussi oppressifs qu’il peut être difficile de ressentir le poids total de la crainte et de se demander le film tombe sur vos genoux.»

Le réalisateur danois Tobias Lindholm (un détournement, une guerre) fait ses débuts en anglais avec cette adaptation du livre de Charles Graeber The Good Nurse: A True Story of Medicine, Madness et Murder About Serial Killer Charles Cullen (Eddie Redmayne), qui a tué Au moins 29 personnes dans les années 1990 et 2000. Jessica Chastain joue la bonne infirmière titulaire qui essaie de travailler avec la police pour traduire Cullen en justice. C’est un «sac mixte de choc, d’horreur et de frustration», selon Benjamin Lee du Guardian, tandis qu’un Chris Evangelista de / film le trouve également «étrangement plat». Sur une note plus positive, John Defore de Thr pense que le nurse_ est une «tragédie du vrai crime captivante mais rafraîchissante». Et dans sa revue pour Screen Daily, Wendy Ide est heureuse de signaler que ce «thriller superbe Redmayne Shine-est tout aussi texturé et noueux que son travail précédent. » Pour une opinion différente sur Chastain et Redmayne, lisez la critique de Charles Bramesco pour la playlist dans laquelle il affirme qu’un spectateur se sentira «plus qu’à nommer [Redmayne] le pire acteur vivant à tenir un Oscar».

Le drame du lycée des années 1990 de Freevee est basé sur les mémoires les plus vendus du même nom par des sœurs jumelles et des artistes pop indépendants nominés aux Grammys, Tegan et Sara Quin, qui sont joués dans le spectacle par Tiktok Stars Railey et Seezynn Gilliland. Alors que la plupart des critiques arriveront le mois prochain avant les débuts en streaming de l’émission, quelques critiques ont pesé sur les trois premiers (des huit) épisodes qui ont fait leurs débuts à Toronto. Réalisé par Clea Duvall (la saison la plus heureuse), qui sert également de showrunner aux côtés de Laura Kittrell (insecure), High School est une montre immersive qui est [f] ull de personnages sympathiques et de moments intensives de drame et de déception à s’exclamer Alex Hudson. Kristy Puchko de Mashable a également des éloges pour une série qui est douce et tranquillement dévastatrice, tandis que Ben Travers d’Indiewire admire une émission qui non seulement prend ses chagrins adolescents et ses raccourcis, mais fonctionne également comme une série parfaitement agréable qui est loin de loin D’après une histoire d’origine Tegan et Sara.

Le premier long métrage d’Elegance Bratton suit Ellis French (Jeremy Pope) alors qu’il rejoint les Marines pour échapper à l’itinérance et renouer avec sa mère (Gabrielle Union). Inspiré par sa propre vie, Bratton raconte la lutte d’Ellis pour cacher son identité sexuelle à mesure que son attirance pour un instructeur de forage (Raúl Castillo) se développe. Pour Ethan Vestby de la scène du film, c’est une «œuvre de maturité émotionnelle» et une «promesse défectueuse et très convaincante d’un nouveau dramaturge talentueux dans le cinéma américain». La inspection est également un «film d’une tamis et un« débutte narratif accompli », selon David Rooney de TH. Et Tim Grierson de Screen Daily voit un« drame chargé émotionnellement avec des contours familiers mais un œil perceptif sur la masculinité et les militaires. Peter Debuge soutient que «Pope donne une performance invisible en carrière», dans sa revue de variété, et ce sentiment est appuyé par Chris Evangelista au cinéma: «La performance du pape est si brute, si honnête, que nous sommes avec lui à chaque étape de le chemin.

Rivalisant uniquement sur Twin Peaks de David Lynch (une influence claire) pour son mélange d’horreur surnaturelle, de comédie sombre et d’étrangeté de la série télévisée danoise de Lars von Trier the Kingdom a couru pendant deux saisons en 1994 et 1997. (C’était Remrader plus tard en Amérique par pas moins que Stephen King, mais pas avec succès.) Mais si Lynch pouvait ramener Peaks pour un autre tour, pourquoi von Trier ne peut-il pas faire de même avecle royaume_? Et donc nous avons exodus, un troisième (et dit être final) de cinq épisodes, tous réalisés par von Trier et avec un mélange de visages anciens et nouveaux (y compris, respectivement, Udo Kier et Alexander Skarsgard), avec ce dernier groupe Surtout des remplacements pour les acteurs décédés depuis la mini-série antérieure. Cette fois, le réalisateur obtient, eh bien, Meta alors qu’il ouvre la série avec une femme en colère en regardant cette précédente saison kingdom et finit par entrer dans l’hôpital infernal elle-même.

Comptez Charles Bramesco de la playlist parmi les plus grands fans de Exodus; Il admet que le Long Shadow of David Lynch se profile sur la série mais admire comment les nouveaux épisodes font la conversation [e] avec son propre passé ainsi que la sinistre pénumbra de l’histoire elle-même sur la légèreté… ne fait rien pour nuire aux vibrations nocives qui rayonnaient de chaque scène. Le critique de variété Peter Debruge note également que Exodus est plus plaisant que les fans ne s’y attendent, mais que la légèreté fait que ce retour exagéré… beaucoup plus amusant. Dans The Guardian, Xan Brooks a un peu moins de plaisir avec le spectacle; Il prévient que la vieille magie noire n’est pas aussi puissante cette fois-ci mais ajoute: Le royaume: Exode contient suffisamment de sauvagerie et de bizarrerie pour satisfaire la base de fans. Martin Tasi du Wrap voit une entrée digne dans une série emblématique et convient que les fans de longue date le trouveront divertissant et valent bien l’attente du quart de siècle. Mais Robbie Collin du Telegraph ne voit que une fine falsification nostalgique, avec de vieilles blagues de course relancées et pas beaucoup de choses sur la mise en scène de déchiquetage de l’âme et l’image qui a falsifié la création d’images de l’Antéchrist et du réalisateur de Melancholia a depuis maîtrisé.

Le nouveau _Kingdom-ainsi que les premières et deuxième saisons normalement impossibles à résoudre-sera mis à la disposition des abonnés de Mubi aux États-Unis et au Royaume-Uni à un moment donné dans les prochains mois.

Laure de Clermont-Tonnerre (The Mustang) dirige cette dernière adaptation du roman classique de la classe, de l’amour et du sexe de D.H. Lawrence. Emma Corrin (the Crown) joue Lady Chatterley, une femme de privilège qui commence une liaison avec le gardien (Jack O’Connell) sur le domaine où elle vit avec son mari handicapé. Le critique du Times Just Chang trouve le nouveau Chatterley pour être «dynamique et intelligent», et Kate Erbland d’Indiewire pense que c’est une «version magnifique et rêveuse et très sexy du matériel», notant «c’est toujours l’amant de Lady Chatterley. (Et, pour ne pas être grossier: les scènes de sexe sont sacrément chaudes). » Dans sa revue pour TheWrap, Tomris Laffly affirme: «Il y a à la fois la loyauté et la fraîcheur dans cette prise pour ceux qui connaissent déjà profondément le livre de Lawrence. Et à ceux qui ne le sont pas: vous êtes dans une belle introduction à cette saga féminine d’éveil sexuel, lacée à la fois avec quelque chose d’ancien et de nouveau, et beaucoup de franc, de chorégraphe et de goût érochés de plus en plus tasteux dans le courant dominant de plus en plus stérile d’aujourd’hui cinéma.

Histoire vraie: En 2012, les restes du roi Richard III-ont été tués au combat en 1485-ont été découverts sous un parking à Leicester, en Angleterre, grâce en grande partie aux efforts à long terme d’un groupe d’historiens amateurs et de l’une de Leurs officiers, Philippa Langley (joué ici par Sally Hawkins, dont la performance est un moment fort sans équivoque). La dernière du réalisateur acclamé Stephen Frears (The Queen, High Fidelity) dramatise-avec un peu de flair fantastique-le parcours de Langley, très dérivé et les nombreux obstacles le long du chemin vers son triomphe ultime. KING Rétonne également Frears avec son collaborateur de Philomena Steve Coogan, qui co-stars et écrit le scénario (avec un Jeff Pope aussi rendu public). Leur dernier conte des outsiders ne résonne pas aussi bien avec de nombreux critiques, bien que certains l’aiment certainement. Ross Bonaime de Collider, pour sa part, pense que The Lost King fonctionne à cause du casting convaincant à portée de main. Et Wendy IDE de Screen Daily appelle King un un récit gagnant, sinon fantaisiste, d’une femme ordinaire atteignant l’extraordinaire. Mais la critique du gardien Peter Peter Peter Peter Peter Peter Bradshaw voit un film particulier et tonalement incertain qu’il considère comme un raté, tandis que Kate Erbland d’Indiewire avertit une affaire plutôt sans gaieté qui n’est que partiellement récupérée par son acte final plus vivant.

Le film ouvrira ses portes au Royaume-Uni le mois prochain mais n’a pas encore de date de sortie nord-américaine.

Le dernier écrivain-réalisateur japonais Kôji Fukada (Harmonium, la vraie chose) est un drame sur la façon dont différents membres d’une famille traitent du chagrin après un accident tragique. Dans sa revue pour Variety, Guy Lodge reconnaît qu’il «est impossible de ne pas être affecté à un certain niveau par le sort infernal de ses personnages», mais il sent la «douceur prédominante de ton ici tend vers les vaporisateurs». Écrivant pour Thewrap, Elizabeth Weitzman est plus impressionnée par le cinéma de Fukada: «Chaque cadre prudent et prise inconfortablement longue est composé d’une patience infinie. Il les construit ensuite en juxtapositions ironiques et ironiques, alors que ses réglages exigus se remplissent de gens séparés par de profonds tracmes émotionnels. » David Ehrlich, d’Indiewire, donne ce mélodrame extrêmement poignant raconté au volume d’un chuchotement cassé un B +, et Rory O’Connor de la scène du film fait aussi bien, l’écriture: Le film de Fukada est à son meilleur lorsque vous marchez cette belle ligne entre le sérieux et l’absurdité. Les virages au couteau, navigués habilement par le réalisateur et le casting, sont ce qui le fait-après un certain temps, au moins-cocher vraiment. »

Le réalisateur Mark Mylod a quelques fonctionnalités à son actif (Ali G Indahouse en étant un), mais il est surtout connu pour diriger la télévision, y compris des épisodes de entourage, game of Thrones, shameless, et plus récemment SucCession. Ce dernier fait de lui un bon ajustement pour ce thriller sombre comique qui embrasse les clients riches dans un restaurant isolé dirigé par un chef dominateur joué par Ralph Fiennes. Les invités du dîner sont joués par Janet McTeer, John Leguizamo, Judith Light et Nicolas Hoult, dont la dernière minute est Anya Taylor-Joy (une présence imprévue qui perturbe les plans du chef). Benjamin Lee du Guardian pense qu’il y a «des moments fantastiquement ridicules», et bien que le «complot autour d’eux puisse se sentir réchauffé, il y a suffisamment de performances d’étoiles Michelin des deux extrémités du spectre à mâcher avec un hong chau de Hong auto-possédé qui sortira effrayant en haut. Dans sa critique de THR, Lovia Gyarkye écrit: «Cela se livre à des opportunités de dépouiller l’empereur de ses vêtements, et bien que cela ne se traduit pas nécessairement par le commentaire social le plus révélateur, cela fait une conduite amusante.» Et dans sa revue pour Screen Daily, Wendy IDE admet La Menu n’est pas subtile, mais c’est une «image délicatement méchant et très drôle».

Inspiré par sa propre expérience dans le traitement d’une mère malade, la troisième caractéristique de la réalisateur-réalisateur Andrea Pallaoro se concentre sur la titulaire Monica (Trace Lysette de Transparent), une femme trans qui a été éloignée de sa famille du Midwest depuis des années mais rentre à la maison après avoir appris que sa mère (Patricia Clarkson) est en train de mourir. Le portrait intime du drame de son personnage principal est amélioré par les décisions stylistiques de Pallaoro, y compris le tournage du film dans un rapport carré Academy. Mais ce choix ne fonctionne pas pour le critique de THR Jon Frosch, qui accueille le casting de Lysette mais rejette Monica comme un exercice lent de formalisme qui joue comme quelque chose que nous avons vu d’innombrables fois avant de régler des accoutrations auteurish. La plupart des critiques, cependant, ont des choses plus gentilles à dire sur Monica. Fionnuala Halligan de Screen Daily admire principalement un drame tranquillement réfléchi et impressionnant, renforcé par la performance puissante et intériorisée de Lysette, même si elle est un peu trop languissante parfois. Et Jude Dry fait l’éloge d’un film de rechange mais poignant qui élève la barre des histoires trans à l’écran.

Le dernier de l’écrivain-réalisateur Rodrigo Garcia (neuf vies, Albert Nobbs, quatre bons jours) met en vedette Ewan McGregor et Ethan Hawke comme demi-frères du titre. Éloigné pendant des années, chacun a souffert sous la cruauté de leur père, mais ils se réunissent pour ses funérailles, en découvrant d’autres (Maribel Verdu et Sophie Okenodo) qui le connaissaient différemment. La Maya E. Gates de la playlist trouve peu à louer en plus de Hawke et Okonedo dans cette «comédie sombre et impartiale, qui est mal calculée à presque tous les niveaux». Écrivant pour Variety, Tomris Laffly affirme que ce film «culinante» a «petit à offrir», mais Allan Hunter de Screen Daily pense qu’il est «toujours engageant et stimulé considérablement par les efforts d’une excellente distribution d’ensemble». Michael Rechtshaffen de Thr, qui le déclare aussi tendrement observé est également positif Aussi tendrement observé que c’est drôle.

Lorsqu’il ne partage pas le temps d’écran avec Grogu ou d’écriture de romans, Werner Herzog, âgé de 80 ans, peut être trouvé derrière la caméra, réalisant le plus souvent un documentaire. Sa dernière caractéristique de non-fiction trouve l’allemand qui prend la route avec le neurobiologiste hispano-américain Rafael Yuste pour explorer la pointe de la recherche sur le cerveau et illuminer non seulement la science mais aussi les questions éthiques et philosophiques soulevées par la neurotechnologie. (Et le sujet de man sur wire fait une apparence surprise.) Le résultat est léger-et partout sur la carte [neuronale]-mais amusant, selon les critiques. Le Sheri Linden du journaliste d’Hollywood est certainement un fan, appelant Thought l’une de ses demandes les plus perçantes à ce jour. David Ehrlich d’Indiewire le juge un documentaire typiquement ludique, tandis que Ross Bonaime de Collider pense, [I] T [Herzogs] Wonder enfantin qui fait vraiment du théâtre de la pensée. Mais le critique de playlist Jason Bailey n’est pas diverti; Il estime que le dernier de Herzog est l’un de ses plus faibles et se plaint de faux pas amateurs surprenantes dans le cinéma.

Selon Rafael Motamayor d’IGN, la première fonctionnalité du réalisateur Eric Appel «Does for the Music Biopic Ce que le Real Weird Al a fait pour beaucoup de chansons pop à succès: il en se moque, le révèle, le remet, le rend plus étrange et l’améliore. Appel a écrit le scénario avec Yankovic, et bien qu’il ne marche pas dur, car Ross Bonaire de Collider (et d’autres critiques) le note: «C’est un look absolument charmant et souvent hilarant sur le plus grand musicien parodie du monde, rempli d’une excellente distribution qui veut pour rendre hommage à cet homme étrange.

A élu le vainqueur de la section Madness de Midnight par le public de Tiff (devançant la préquelle d’horreur récemment publiée Pearl), weird met en vedette Daniel Radcliffe en tant qu’Al, tandis qu’Evan Rachel Wood joue Madonna comme une petite amie psychotique et avalée dans un film qui thris Defore croit que «est un esprit simple à ses chansons sans être si gagulé qu’il oublie comment raconter une histoire». Dans sa revue de la playlist, Charles Bramesco ajoute: «Ce coussin whoopie d’un film soulève le concept du plus bas dénominateur commun aux plus hauts goûts ésotériques et, ce faisant, se rapproche de l’essence de l’art que tout son de ses son ancêtres d’auto-importance et droite. » Cela ressemble à un film qui ose être stupide et qui est le mieux pour cela.

La dernière merveille en stop-motion du réalisateur Henry Selick (Coraline, Nightmare Before Christmas) raconte l’histoire de Kat Elliot (exprimée par Lyric Ross) et de ses démons Wendell (Keegan-Michael Key) et Wild (Jordan Peele). Écrit par Selick et Peele, le scénario aborde de nombreux sujets-y compris la gestion du chagrin, de la réadaptation pour mineurs, du complexe industriel de la prison et du fléau du capitalisme corrompu-et de certains critiques, y compris Tim Grierson de Screen Daily, admirent les films des films, tout en souhaitant que ses innombrables brins narratifs soient plus rationalisés. » Emma Stefansky d’Indiewire fait écho à ce sentiment, pensant que le film aurait pu être mieux servi en choisissant un ou deux thèmes, mais elle lui donne toujours un A–, affirmant que c’est une joie vertigineuse, hilarante brute et sincèrement sincère, avec avec Le genre d’attention à l’attention avec les détails qui fait des films de Selick une expérience si viscérale. »

Collider’s Chase Hutchinson trouve le voyage de Kat plus qu’un peu anarchique et partout tout en étant ancré dans une expérience émotionnelle sentimentale mais nette. Et la critique de Vanity Fair Esther Zuckerman est d’accord: «La saga est légèrement trop alambiquée par un peu de courte durée, mais il se tourne vers un lieu d’émotion authentique et un appel entraînant pour abattre les goules du monde réel plutôt que les démons des enfers. »

Avec son suivi de Mother!, Darren Aronofsky a réalisé un autre film qui générera de nombreuses conversations. Écrit par Samuel D. Hunter (adaptant sa propre pièce), La Whale met en vedette Brendan Fraser (dans une performance très louée) en tant que professeur d’anglais gravement obèse qui tente de se reconnecter avec sa fille adolescente (Sadie Sinie) alors que sa santé continue détériorer. Dans sa revue de Polygon, Katie Rife aborde la réception de division du film, écrivant: «Pour être juste, certaines personnes apprécient ce genre de miséruclé. Mais ces téléspectateurs sont également avertis que non seulement ce film est difficile à supporter et est susceptible d’être activement nocif pour certains publics, mais aussi un renforcement égoïste du statu quo-ce qui est l’une des choses les plus ennuyeuses qu’un film peut être. Peter Bradshaw du Guardian sauve ses points positifs pour Fraser et Hong Chau en tant qu’ami / infirmière, mais en ce qui concerne le film dans son ensemble, c’est un film hammy et scénéré et une déception surprenante: les clignodes d’écriture; Le récit est artificiel et peu convaincant et tout le film a un étrange langage corporel d’aggg, comme s’il gère son propre sujet douloureux avec des gants pour enfants et nous demandant de faire de même. »

De même, Sarah Kurchak, de conséquence, craint que Fraser soit «si bon-si complètement humain-dans le rôle qu’il pourrait obscurcir l’étendue des problèmes avec ce film pour de nombreux téléspectateurs. Tous les sentiments que vous pouvez vous connecter à Charlie, au-delà du dégoût ou de la pitié, sont à 100% en raison des efforts de Fraser. Ces efforts substantiels ne suffisent pas à surmonter la pourriture au cœur de ce film. Owen Gleiberman de Variety accepte que le film ne soit tout simplement pas aussi bon que la performance de Brendan Fraser, mais pense qu’il mérite d’être vu. Les défenseurs du film incluent le critique télégraphique Robbie Collin, qui affirme qu’il s’agit d’une «parabole perçante et compatissante sur la grâce et la réconciliation, racontée avec une force vraiment biblique», et John Bleasdale de Cinevue, qui déclare: «Aux côtés du lutteur, la baleine est Aronofsky à son le plus compatissant. C’est une invitation gargantuesenne à l’empathie et à la compréhension. »

Avec son premier long métrage en quinze ans, le réalisateur Shekhar Kapur passe du drame de prestige (Elizabeth, Elizabeth: The Golden Age) à la comédie romantique avec l’histoire d’un cinéaste (Lily James) qui décide de documenter le voyage de son meilleur ami (Shazad Latif) vers mariage arrangé. Travaillant avec un script de Jemima Khan, Kapur a produit un film qui semble et se sent grand, glissant entre les continents et les cultures, emplacement sur place sur place, mais, selon le Guardian du Guardian, Benjamin Lee, bien qu’il n’atteigne jamais les émotions de la même taille […] sa facilité est difficile à résister. » Pour le critique de THR Michael Rechtshaffen, «Kapur’s Soulful Touch […] frappe toutes les marques souhaitées» et «sert de classe de maître dans la façon d’adhérer fidèlement au modèle classique de comédie romantique tout en émerge avec quelque chose qui offre délicieusement des deux côtés du trait d’union. »

Le suivi du scénariste-réalisateur Noah Baumbach à son histoire de mariage acclamé par la critique le réunisse avec l’une des stars de ce film, Adam Driver, pour une adaptation du soi-disant injusticule-et peut-être encore inlassable, comme certains critiques semblent impliquer-le roman de 1985 de Don de Don DeLillo. Le chauffeur joue Jack Gladney, professeur d’études Hitler et son mari de Babbette et père de Greta Gerwig à sa fille adolescente Denise (Raffey Cassidy), sa sœur cadette Steffie (May Nivola), son propre fils adolescent, Heinrich (Sam Nivola) et le Le plus jeune fils, qui est leur seul enfant ensemble. Cette famille nucléaire est forcée de fuir leur maison après un «événement toxique aéroporté» et de se débattre avec la possibilité de bonheur au milieu de la mort, de la toxicomanie, de l’infidélité et du consumérisme.

Richard Lawson de Vanity Fair pense que c’est un film «respectueux et respectable, à une faute», se demandant ce qu’est «l’animation pourquoi» du film. Cette pensée est reproduite par Stephanie Zacharek of Time, qui écrit: Il est difficile de savoir exactement ce que Baumbach va ici, à part nous rappeler que la clé de la vie est de vous procurer votre vie. Bilge Ebiri de Vulture admet que le film est certainement inégal-sauvage, probablement par le design-mais il n’est aussi jamais ennuyeux, toujours désireux de jeter quelque chose de nouveau au spectateur, et il est impatient de divertir. And in her review for The Playlist, Jessica Kiang praises the ?

Gameplay de Smash Bros

MultiverSus Gameplay a fui en ligne après un test de réseau au début du mois dernier.

Plus tôt aujourd’hui, il a été noté par certains coins de l’entretien qu’un segment de quatre minutes de ce qui semblait être un gameplay multiversus a été téléchargé sur le site de Médias sociaux russes VK (ouvre une nouvelle onglet). La vidéo montre différents personnages – y compris Jake d’Adventure Time, Batman, Harley Quinn, Velma et de nombreuses autres – aller-te-à-tae dans deux vs deux combats.

Le nouveau bagarreur de Warner Bros. Bien sûr, a l’air chaotique. Lors de la prochaine fuite de l’année dernière, le prochain match de combat a été décrit comme un bagarreur Super Smash Bros – comme il semble de vivre ici, car les personnages jettent des objets autour de l’arène et se sont techers les uns avec les autres avec toutes sortes de gadgets et diverses attaques.

Super Smash Bros Ultimate - Gameplay Walkthrough Part 1 - Mario! Spirits & Classic (Nintendo Switch)

Cela ne veut pas dire que nous avons vu tous les personnages de la liste des multivers dans cette vidéo. Warner Bros. a précédemment révélé que les goûts de Shaggy, Superman, Gandalf Le Blanc, et même le jeu de Thrones ‘Arya Stark seraient tous présents dans le nouveau match, et nous pourrons encore voir quel type de capacités a susmentionné les caractères emploieront.

Comme nous l’avons mentionné précédemment, cette fuite provient probablement d’un test de réseau fermé qui s’est tenu plus tôt cette année pour Multiforms. Entre le 25 février et le 7 mars, un nombre limité de joueurs a été capable de se familiariser avec un multivers, en essayant un échantillon de la liste expansive. Ce serait la première fois que nous avons réellement vu quoi que ce soit du test de réseau limité.

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